À Barbentane, dans les Bouches-du-Rhône, Vincent Balas développe une pratique de céramique et de sculpture tournée vers les créatures, les visages et les formes qui relient l’humain à l’animal. Son univers est peuplé de figures fantasmées, de masques, de médaillons et de sculptures qui semblent porter une histoire sans la raconter complètement. La terre reste souvent brute, afin que la forme conserve sa présence et que la matière ne soit pas entièrement recouverte par le décor. Les pièces sont réalisées comme des œuvres uniques ou comme des tirages très limités, retravaillés et décorés pour que chaque exemplaire garde sa singularité.
Avant de se consacrer pleinement à la céramique, Vincent Balas a étudié aux Arts-Déco de Strasbourg puis travaillé comme illustrateur et animateur. Ce premier rapport au dessin continue de se sentir dans ses sculptures. Le trait n’est pas posé à plat sur une surface ; il devient une silhouette, une expression, un contour ou une tension dans le volume. L’expérience de l’image l’aide à construire des personnages et des animaux reconnaissables sans les enfermer dans une représentation réaliste. Une tête, un museau, un œil ou une posture suffisent parfois à faire émerger une présence.
Le travail de la terre commence par une recherche de forme. Vincent Balas observe la relation entre un corps humain et une figure animale, puis transforme cette rencontre en objet. Il peut faire apparaître une créature qui semble familière par certains détails, mais étrangère par ses proportions ou son attitude. Le résultat ne cherche pas à reproduire un animal précis. Il s’intéresse plutôt à ce que les formes animales réveillent dans l’imaginaire : la mémoire des contes, l’observation d’un vivant, la peur, la curiosité ou la douceur. Chaque sculpture laisse au regardeur une part de liberté pour interpréter ce qu’il voit.
Les influences revendiquées par l’artiste traversent plusieurs cultures et plusieurs périodes. La stylisation des arts anciens d’Afrique, d’Asie et d’Europe nourrit son vocabulaire de formes. L’Art Déco apporte une attention aux lignes, aux équilibres et à la manière dont une silhouette peut devenir un signe. Les grands sculpteurs constituent une autre famille de références, par leur capacité à donner une expression à la matière sans multiplier les détails. Le monde de l’enfance et la poésie complètent cet ensemble. Ils autorisent des figures qui ne sont ni des objets décoratifs ordinaires ni des copies du réel, mais des présences ouvertes à l’imagination.
Les masques et les médaillons occupent une place particulière dans cette démarche. Le masque est une forme frontale : il s’adresse directement au regard et concentre l’expression dans quelques volumes. Un relief autour des yeux, une bouche esquissée ou une ligne de front peut suffire à modifier le caractère de la figure. Le médaillon fonctionne sur une échelle plus réduite, mais il garde ce rapport au visage et au signe. Il peut être accroché, posé ou intégré à un ensemble. Dans les deux cas, la terre devient le support d’un portrait qui n’est pas forcément celui d’une personne réelle.
La sculpture modelée permet de construire les volumes progressivement. Les masses s’ajoutent, se creusent et se corrigent jusqu’à trouver une proportion qui tient sous tous les angles. Le visage ou l’animal doit rester lisible de face, mais aussi conserver une épaisseur lorsque l’on se déplace autour de la pièce. Cette attention à la rotation du regard est essentielle pour un objet en volume. Un dos, une nuque, une oreille ou une patte peuvent modifier la compréhension de la figure. Les traces du façonnage participent à cette lecture et rappellent que la sculpture est née d’un contact direct avec la terre.
La terre brute revient souvent dans les œuvres de Vincent Balas. Une surface non recouverte laisse apparaître le grain et les irrégularités de la matière. Elle donne à la sculpture une densité visuelle qui peut faire ressortir un décor placé seulement sur certaines zones. La couleur n’a alors pas besoin de couvrir tout le volume pour guider le regard. Elle peut souligner un œil, marquer un contour ou introduire une différence entre deux parties du corps. Le contraste entre la terre et les zones travaillées crée une respiration dans la pièce.
Certaines œuvres sont moulées pour produire des tirages très limités. Le moule permet de retrouver une base formelle, mais il ne transforme pas ces sculptures en objets identiques. Chaque tirage est repris, retravaillé et décoré. L’artiste peut modifier une expression, ajouter une couleur, accentuer un relief ou laisser une partie plus brute. Cette étape est essentielle pour que la série conserve une dimension d’œuvre. Le modèle fournit une famille de formes ; la main de Vincent Balas redonne à chaque exemplaire son caractère propre.
La lumière et la transparence font aussi partie des recherches de l’artiste. Dans une sculpture, elles peuvent apparaître par une ouverture, une épaisseur différente, une surface qui accroche l’éclairage ou un volume qui projette son ombre. Les effets changent selon l’heure, la position de la pièce et la distance du regard. Cette dimension lumineuse explique le passage naturel entre la sculpture et les objets décoratifs. La terre peut devenir une forme à observer, mais aussi un élément qui transforme l’ambiance d’une pièce.
Les lampes et les appliques prolongent cette relation entre volume et lumière. Leur silhouette doit exister même lorsque l’éclairage est éteint. Une fois allumées, elles ajoutent une nouvelle lecture : les contours se détachent, les reliefs projettent des ombres et la surface devient un écran traversé par la lumière. L’applique se lie au mur, tandis que la lampe participe à l’équilibre d’un meuble ou d’un espace. Ces objets conservent la liberté formelle de la sculpture tout en entrant dans un usage domestique.
Les vases et les portes-plantes appartiennent au même territoire entre objet et sculpture. Un vase accueille des fleurs, mais il peut également être regardé pour sa silhouette, son ouverture ou la manière dont il tient dans l’espace. Un porte-plantes accompagne le vivant et crée un dialogue entre la terre cuite, la plante et la lumière. Les formes de Vincent Balas ne cherchent pas à disparaître derrière ce qu’elles contiennent. Elles gardent une présence autonome, même lorsque l’usage leur donne une fonction précise.
Le travail de l’artiste peut aussi prendre place dans des projets culturels. En 2024, Paris Musées a présenté une collaboration avec Vincent Balas autour d’un ensemble de petits oiseaux en céramique réalisés et peints pour la boutique du musée Bourdelle. Cette réalisation montre comment son bestiaire peut se déployer en plusieurs figures tout en restant lié à une attention portée à la silhouette et à la couleur. Le motif de l’oiseau devient un sujet de création, avec des variations qui permettent de composer un ensemble destiné à un lieu consacré à la sculpture.
Une pièce de Vincent Balas se découvre donc par étapes. Le regard peut d’abord reconnaître un animal, un visage ou une silhouette. Il remarque ensuite le choix d’une proportion, la part laissée à la terre brute, une couleur posée sur un relief ou une transparence qui modifie la lumière. En tournant autour de la sculpture, on découvre un autre profil et une autre relation entre les masses. Cette progression est au cœur d’un travail qui ne donne pas toutes ses réponses immédiatement. La figure semble accessible, mais conserve une part de mystère.
À Barbentane, Vincent Balas poursuit une céramique où le dessin, le modelage et la sculpture se rejoignent. Ses masques, médaillons, animaux fantasmés, vases, portes-plantes, lampes et appliques associent la spontanéité de la création à une recherche de forme et de lumière. Les pièces uniques et les tirages très limités sont retravaillés pour que la matière conserve la trace de la main. Inspiré par les arts anciens, l’Art Déco, la sculpture et la poésie, l’artiste crée des objets qui peuvent rejoindre un intérieur tout en gardant la force silencieuse d’une présence sculptée.