À Strasbourg, Aline Falco développe une pratique de l’enluminure qui relie les techniques anciennes à une création contemporaine. Ses pièces uniques, ses panneaux muraux et ses compositions décoratives s’inspirent du graphisme médiéval, de l’Art nouveau et de motifs rencontrés au fil de ses voyages. Elle réalise également des copies d’enluminures et travaille sur commande. Dans son approche, le parchemin, la couleur, la calligraphie et l’or ne sont pas des ornements ajoutés les uns aux autres : ils forment un langage visuel où chaque détail participe à la composition.
Après des études d’arts plastiques et d’histoire de l’art, Aline Falco se dirige vers l’enluminure en 2002. Elle ouvre son atelier à Strasbourg deux ans plus tard. Son parcours s’accompagne d’une recherche soutenue sur les procédés de la miniature et sur la manière de les faire entrer dans une œuvre actuelle. En 2007, elle publie un ouvrage consacré aux techniques de l’enluminure. Elle rejoint ensuite la Fédération Régionale des Métiers d’Art d’Alsace puis les Ateliers d’Art de France, deux réseaux professionnels qui situent son activité dans le champ des métiers d’art et de la création.
L’atelier ne considère pas le contemporain comme synonyme de simplicité absolue. Une composition peut être figurative, foisonnante et construite à partir d’un ensemble de signes. Aline Falco aime travailler par collections afin d’approfondir un thème, d’en explorer les variations et de donner à plusieurs pièces une relation sans les rendre identiques. Le graphisme peut se renouveler par une bordure, une figure, un assemblage de motifs ou une opposition entre différentes époques. Chaque panneau ou chaque pièce conserve ainsi une organisation précise, tout en laissant une place à la surprise et à l’interprétation.
Les voyages nourrissent cette recherche. Le Japon, l’Australie, l’Inde, le Mexique, le Maroc, le Québec, les États-Unis, la Scandinavie, l’Italie, l’Espagne, l’Irlande, la Thaïlande, l’Angleterre et Taïwan figurent parmi les horizons qui ont alimenté ses collections. Ces références ne sont pas utilisées comme un décor uniforme. Elles deviennent des réservoirs de lignes, de symboles, de matières et de manières d’organiser une surface. Un motif textile indien peut rencontrer une ferronnerie Art nouveau, un élément de bois sculpté arabe ou une forme issue de l’orfèvrerie viking. Le rapprochement fait apparaître des échos entre des cultures et des périodes qui semblent éloignées, tout en laissant visibles leurs différences.
La calligraphie tient une place particulière dans ce langage. Elle peut porter un texte, mais aussi devenir une trame graphique au milieu de formes déstructurées. Une lettre, une ligne d’écriture ou un fragment de mot attire le regard par son rythme et sa densité. Les signes peuvent dialoguer avec un personnage, une frise ou un motif végétal. Dans une œuvre contemporaine, le texte n’a pas besoin de rester un bloc séparé de l’image. Il peut s’insérer dans la composition, créer une direction, remplir un espace ou introduire une seconde lecture. Le geste calligraphique conserve alors son caractère manuel tout en participant pleinement au dessin général.
Le travail sur parchemin commence par l’observation du support. Une peau préparée reste une matière vivante : elle réagit aux variations de température et d’humidité, bouge et peut se gondoler. Pour présenter une œuvre dans de bonnes conditions, Aline Falco tend le parchemin sur un carton-bois au pH neutre, sans acide ni solvant. Cette préparation stabilise la surface et permet de travailler avec davantage de régularité. Elle doit toutefois respecter le caractère particulier de la peau. Sa surface lisse et peu absorbante donne parfois la sensation de peindre sur du verre, ce qui demande de contrôler le geste et la quantité de matière déposée.
La préparation du parchemin peut comprendre un nettoyage et un dégraissage à la poudre de pierre ponce lorsque la peau le nécessite. La peinture reste en surface au lieu de pénétrer profondément dans le support. Un dosage précis entre l’eau et les pigments devient donc nécessaire pour éviter que les couches ne se fissurent ou ne s’écaillent. Aline Falco a élaboré un liant destiné à améliorer l’adhérence des couleurs. Il associe du fiel de bœuf, de la gomme arabique, du miel et de la glycérine. Les proportions peuvent varier en fonction de la densité des pigments, car chaque couleur ne réagit pas de la même manière lors du broyage, du mélange et de la mise en place.
Les pigments naturels forment une palette étendue. L’atelier en possède environ cent vingt, ce qui permet de travailler des nuances nombreuses sans dépendre d’un mélange systématique entre les couleurs. Certains pigments doivent être broyés à la molette ou décantés avant de pouvoir être employés. Leur densité et leur comportement influencent la quantité de liant, la fluidité de la peinture et la manière dont elle se dépose sur le parchemin. La couleur ne se réduit donc pas à un choix de teinte. Elle implique une préparation, une observation et une adaptation à la surface.
La dorure constitue une autre étape exigeante. Pour l’or en relief, Aline Falco prépare une assiette à dorer inspirée d’une recette du XIIe siècle. Le gesso est posé en plusieurs couches, puis bruni à la pierre d’agate afin d’obtenir une base régulière et lumineuse. La feuille d’or est appliquée par couches et brunie entre les poses lorsque le projet demande une forte brillance. Les petites formes et les motifs serrés compliquent le travail, car la surface doit rester suffisamment lisse pour que la lumière se réfléchisse de manière continue. Pour une dorure à plat, l’atelier utilise une résine d’arbre dissoute dans l’eau, dont l’aspect final diffère de celui de l’or posé sur une assiette en relief.
Le relief change la manière dont on regarde une enluminure. La lumière ne frappe pas partout avec la même intensité : elle se déplace sur les bordures, accroche une lettre et révèle les irrégularités de la surface. Un motif doré peut agir comme un point de tension dans une composition très colorée ou comme une ponctuation au milieu d’un espace plus sobre. La préparation, la pose et le brunissage demandent du temps, car une erreur peut se voir immédiatement dans le reflet. L’or devient ainsi une matière de dessin autant qu’un signe de préciosité.
La mise en couleur se fait au pinceau, avec délicatesse et patience. Une plume métallique peut servir à tracer certains filigranes, mais la peinture et la construction des surfaces reposent ensuite sur le pinceau. Les couches restent fines afin de préserver les lignes et de garder la lecture des détails. Un visage, un drapé ou un petit élément décoratif ne se travaillent pas comme une grande surface uniforme. Le geste doit suivre la dimension de la forme et la fragilité du support. Les rehauts, les ombres et les transitions sont construits progressivement, sans couvrir les indications du dessin initial.
Cette précision s’accorde avec une vision de l’enluminure comme pratique méditative. La répétition des formes, les frises, les bordures et les détails obligent à ralentir l’exécution. Le temps passé sur un motif n’est pas seulement une contrainte de fabrication : il permet de mieux comprendre son rythme et sa place dans l’ensemble. Une série de feuilles, une suite de lettres ou un animal stylisé doit conserver une cohérence tout en évitant une régularité mécanique. La main revient plusieurs fois sur le même type de geste, mais chaque passage s’adapte à la composition et à la matière.
Les réalisations contemporaines peuvent associer des éléments qui appartiennent à des cultures ou à des périodes différentes. Cette juxtaposition n’est pas une citation décorative sans lien. Elle sert à interroger la manière dont les symboles circulent, se transforment et prennent un sens nouveau dans une autre composition. Une ferronnerie Art nouveau peut répondre à un motif de tissu indien ; une forme inspirée d’une sculpture arabe peut équilibrer une figure issue du bestiaire médiéval. La calligraphie, utilisée comme trame, relie ces éléments par son mouvement. L’ensemble reste construit, mais les frontières entre les influences sont volontairement moins nettes.
Les panneaux muraux et les pièces de décoration prolongent l’enluminure au-delà du format du livre. Le regard n’est plus guidé seulement par la lecture d’un texte ou d’une lettrine. Il circule entre les frises, les personnages, les zones dorées et les motifs qui organisent la surface. Le support devient une présence dans un intérieur. Sa composition doit donc fonctionner à une certaine distance comme dans l’observation rapprochée des détails. Les variations de lumière dans la pièce peuvent modifier l’aspect de l’or, du parchemin et des couleurs. Le travail de l’enlumineuse tient compte de cette double lecture.
Les copies de manuscrits demandent une autre relation au modèle. Il faut observer les proportions, les contours, le rythme des lettres, les pigments, les bordures et les zones de dorure. Reproduire une image ancienne ne consiste pas à l’agrandir ou à en imiter rapidement les couleurs. Le support, le liant et les procédés de mise en œuvre participent à la ressemblance. La copie peut aussi révéler la logique de construction de l’original : ordre des couches, préparation de l’or, séparation entre le texte et l’image, façon de traiter les feuillages ou les figures. Cette étude précise nourrit à son tour les créations personnelles.
Les commandes de créations originales s’inscrivent dans le même dialogue entre technique et intention. Un projet peut partir d’un thème, d’un texte, d’un motif ou d’une idée de composition. L’échange permet de déterminer le rôle de la couleur, de la calligraphie, de l’or et du support. Une pièce destinée à être accrochée n’est pas pensée comme une page isolée : ses dimensions, sa distance de lecture et la relation avec le mur influencent la construction. La collection offre aussi un cadre pour développer une recherche plus longue, avec plusieurs œuvres qui se répondent par leur palette, leurs signes ou leur sujet.
La transmission complète cette activité de création. Les cours et les stages sont orientés autour du graphisme médiéval traditionnel et peuvent être adaptés au niveau, aux capacités et à la progression de chaque personne. Les thèmes abordés comprennent la pose de l’or, le travail du parchemin, la fabrication des couleurs, les motifs dessinés à la plume et la mise en couleur au pinceau. Une personne débutante peut découvrir les gestes fondamentaux ; une personne déjà familiarisée avec la pratique peut approfondir une étape particulière ou travailler un sujet choisi. Le lien entre calligraphie et peinture reste au centre de ces apprentissages.
Strasbourg accueille ainsi un atelier où l’enluminure conserve ses exigences matérielles tout en s’ouvrant à une écriture visuelle actuelle. Le parchemin est préparé et tendu avec soin, les pigments naturels sont étudiés selon leur densité, le liant est ajusté, l’or est posé puis bruni, et les détails sont construits au pinceau. Les influences de l’Art nouveau, des voyages et des traditions décoratives se rencontrent dans des pièces uniques, des panneaux muraux et des copies de manuscrits. À travers ses collections, ses commandes et ses stages, Aline Falco fait de l’enluminure un espace de précision, de recherche graphique et de rapprochement entre les cultures.