À L’Isle-Adam, dans le Val-d’Oise, Cyril-John Rousseau développe Glass Design, un atelier-boutique consacré aux pièces uniques en verre soufflé. Son univers se nourrit du végétal, du minéral et de l’aquatique. Les collections jouent sur la transparence, les couleurs vives ou pastel, les formes sobres et les surfaces sablées. L’artiste réalise des sculptures, des installations, des services de verres à pied, des objets de décoration intérieure ou extérieure et des pièces sur commande. Chaque création est signée et conçue pour conserver une présence particulière dans la lumière.
Cyril-John Rousseau a suivi une formation de souffleur de verre à Moulin-sur-Allier entre 1999 et 2001. Pendant cette période, il a effectué des stages dans plusieurs ateliers, puis il est parti à Londres comme assistant au First Glass Studio de Stewart Hearnt et Bob Crook. Cette expérience lui a permis d’approfondir des techniques d’influence suédoise et italienne. De retour en France, il a présenté ses premières créations lors de portes ouvertes des métiers d’art en Normandie. Il a ensuite travaillé à la Cristallerie des Papes, à Fontaine-de-Vaucluse, puis en collaboration avec les Moulins de Paillard à Poncé-sur-le-Loir avant d’ouvrir son propre atelier à L’Isle-Adam en 2007.
Le soufflage à la canne repose sur une relation directe entre la chaleur, la rotation et le souffle. Le verrier cueille une masse de verre en fusion au bout d’une canne creuse, la fait tourner et introduit de l’air pour créer un volume. La forme doit rester centrée pendant que la température évolue. Un passage dans le four de réchauffe rend la matière souple pour une nouvelle intervention, tandis que l’arche de recuisson permet un refroidissement progressif. Le geste est rapide, mais il n’est jamais improvisé : chaque outil, chaque pression et chaque changement d’angle modifient la silhouette.
Cyril-John Rousseau utilise des techniques d’origine italienne et suédoise, notamment l’encalmo et les filigranes. L’encalmo permet de réunir des parties de verre de couleurs ou de formes différentes en contrôlant la ligne de jonction. Le filigrane introduit des fils ou des cannes très fins dans la masse afin de créer des dessins, des rayures ou des réseaux visibles à travers la transparence. Ces procédés demandent une bonne compatibilité des verres et une grande précision de chauffe. La pièce doit rester suffisamment chaude pour recevoir l’ajout, mais pas au point de perdre sa géométrie.
La transparence est l’un des axes de recherche de l’atelier. Un verre clair donne de la profondeur et laisse apparaître les couches internes. Une couleur pastel diffuse la lumière avec douceur, tandis qu’une teinte plus vive attire le regard vers une zone précise. Le sablage rend une partie de la surface opaque et produit un contraste avec les zones brillantes. La sobriété des formes évite que le décor ne masque la matière. Une coupe ou un vase peut ainsi rester presque silencieux dans sa silhouette, puis révéler des détails quand on le tourne ou qu’on l’éclaire de côté.
Les inspirations végétales se traduisent par des courbes, des ramifications et des rythmes de lignes. Une sculpture peut évoquer une tige, une graine ou une feuille sans chercher à reproduire un modèle précis. Les références minérales apparaissent dans des volumes plus denses, des surfaces polies ou des effets qui rappellent une pierre traversée par la lumière. Le registre aquatique ouvre des formes plus fluides, avec des transparences qui semblent glisser d’une paroi à l’autre. Ces trois familles d’inspiration permettent à l’artiste de varier ses silhouettes tout en conservant une cohérence de couleurs et de matières.
Les pièces de table sont pensées pour être utilisées autant que regardées. Un verre à pied doit offrir une prise équilibrée, une coupe doit rester stable et une carafe doit permettre un geste naturel au moment du service. Le travail manuel apporte de petites différences de diamètre, de hauteur ou de couleur qui rendent chaque objet reconnaissable. La fonction ne disparaît pas derrière l’esthétique : elle guide le choix de l’épaisseur, la forme du bord et la relation entre le contenant et la main.
Pour la décoration intérieure ou extérieure, l’atelier compose des ensembles de formes et des installations design. Une série peut réunir plusieurs volumes qui se répondent par la couleur ou la hauteur. Une pièce placée devant une fenêtre révèle des ombres et des reflets différents d’une pièce présentée sur un mur sombre. En extérieur, le support, le vent, les variations de température et la sécurité du public doivent être pris en compte. L’échange avec le client permet de définir la fixation, le poids et la manière dont la lumière accompagnera la création.
Les commandes participatives constituent un autre service de Glass Design. Sur rendez-vous, la personne peut approcher la matière en fusion, choisir une combinaison de couleurs et suivre les étapes de fabrication d’un objet. Les formats annoncés d’une heure, trois heures ou six heures correspondent à des degrés différents d’implication. Aucun niveau préalable n’est nécessaire : le verrier explique la position, le rythme de rotation et les gestes qui peuvent être réalisés en toute sécurité. La pièce naît d’un dialogue entre le projet de la personne et les réactions du verre.
Ces rendez-vous demandent une préparation particulière. Les vêtements doivent permettre de travailler à proximité d’une source de chaleur et les consignes de circulation autour du four sont expliquées dès le début. Le participant peut souffler, tourner la canne avec l’aide de l’artisan, ajouter une couleur ou observer le passage à l’arche de recuisson selon le format retenu. L’objet remis après refroidissement conserve les traces de cette séance : une couleur plus dense, une légère variation de forme ou un motif qui ne pourrait pas être reproduit à l’identique.
L’atelier peut également se déplacer pour des démonstrations lors d’événements. Une intervention montre la transformation d’une masse incandescente en un volume creux et permet de parler des outils, du four, des couleurs et des techniques. Cette formule convient aux événements d’entreprise, aux rencontres de métiers d’art ou aux programmations culturelles. Le contenu et la durée sont définis avec l’organisateur afin d’adapter le rythme aux contraintes du lieu et au public présent.
Le prix du jeune créateur des Ateliers d’Art de France obtenu en 2012 a accompagné la reconnaissance du travail de Cyril-John Rousseau. Ses influences suédoise et italienne ne sont pas des effets de style : elles se lisent dans la construction des lignes, la gestion des couleurs et la recherche d’une forme qui paraît simple tout en demandant une exécution précise. L’artiste continue de faire évoluer ses collections au fil des essais, des expositions et des échanges avec les personnes qui découvrent son atelier.
L’atelier-boutique de L’Isle-Adam est annoncé ouvert du mercredi au dimanche, le matin et l’après-midi. Les horaires peuvent suivre le calendrier des expositions, des commandes et des rendez-vous participatifs, ce qui rend un contact préalable utile. Les visiteurs peuvent découvrir les collections en ligne, demander quelles pièces sont visibles et organiser une rencontre avec l’artiste. Les commandes de services de table, de sculptures ou d’installations sont préparées à partir des dimensions, des couleurs et de l’usage prévus.
À L’Isle-Adam, Cyril-John Rousseau fait donc dialoguer une formation de souffleur, des techniques italiennes et suédoises et une inspiration puisée dans la nature. La canne donne naissance au volume, l’encalmo et les filigranes structurent la surface, le sablage nuance la transparence et les couleurs donnent au verre sa profondeur. Les pièces uniques, les services à pied, les installations et les rendez-vous participatifs partagent une même idée : offrir une expérience où la ligne, le ton et la lumière restent accordés, tout en laissant au geste une part d’imprévu.